从创作的痕迹解读青年版画家的创作

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千里之外——青年版画创作交流展

2019.4.13—2019.5.19

湖北美术馆

在具体事物的行为中,痕迹是可感知的线索,为事物成为可研究的对象提供支撑。 在相对稳定的展览空间中,观众可以多次进出,通过识别展览海报、前言、标签等文字信息以及空间带来的身体感受,改变展览或某件作品的信息。 、光线和颜色。 这种寻找艺术“信息”的动作,类似于侦探搜寻犯罪现场,寻找各种可疑痕迹和物证以进行个体识别。 通过这样的探寻行为,观众在展览中建立了自己的观看方式,从而解读作品,并通过鉴证研究的行为建立对艺术的理解。 相应地,艺术家在艺术创作过程中在作品中留下的痕迹。 版画又称间接绘画,也可以说是做痕迹的绘画。 由于制造痕迹的形式不同,版画也细分为不同的类型。 凹、凸、平、孔是版画创作的基石,贯穿于版画创作者的思想和行为之中。 这种独特的“触感”是版画家创作行为的痕迹,也体现在年轻版画家的创作中。

“万里——青年版画创作交流展”邀请了多位青年版画家,他们提供了自己的版画作品和其他“媒体”艺术创作。 我们通过这种并置来观察他们创作的痕迹,来了解艺术家创作之间的关系。 版画中的划分可以用来处理画面中虚实空间的关系。 “风景”系列延续了纸雕装置作品“城市质感”系列的鸟瞰图。 徐小丁关注自然界中的人工痕迹,从三维到二维。 空间的形式也呈现了艺术家对同类型题材创作的不同思考。 龚斌的作品《骗子比利》和《乘客》分别采用丝网印刷和丙烯喷涂的方法创作。 作品表达了艺术家对生活的想象。 作为不同“媒体材料”创作中技法的纽带,两组作品都采用了模板分割和色彩堆叠的概念。 何诗意的创作以拼贴作为粘合剂来说明作品之间的联系。 《覆盖19.2.19》运用石版画拼贴的创作手法来强化画面中真实与现实的关系,而这种手法在她的手绘绘画中也常用。 作品之中。 丛伟的创作包括版画、油画、纸本及装置作品。 此前在湖北美术馆展出的灯光装置作品《生态插入》令人印象深刻。 在纸质作品《独立结构》中,我们可以看到艺术家想要表达的是他对日常生活的关注和记录。 画面中的一些虚实元素表达了丛伟对社会和文化的思考。 各种创作形式的相互转换可以使艺术家保持新鲜的创作状态,也可以为他们在建立自己的作品轨迹的过程中提供可行有效的基础。 理性的克制与情感的表达在版画艺术家的绘画中常常以一种交织的对立状态来表达。 艺术家对绘画节奏的熟练计算和严谨的绘图真实地记录了艺术家的思维轨迹。 蔡元和的作品《生命的方程》中,数学公式和函数图形划分了画面的布局。 画面中人物的动态被作为时间线上的维度切片,以科学插画的形式讲述了艺术家对生命轨迹的观察和想象。 。 《更录簿》原是中国古代渔民用来记录航道内礁石和海况的书籍。 王一飞的创作就源于这本书。 作品《更吕布》是由二进制代码翻译而来,由铜板画合成而成。 从铜版蚀刻装置的二维图解到亚克力声光装置,材质的变化记录了艺术家的生活和创作形态。

版画的制版技术作为版画的技术支撑,与青年艺术家的情感流动一起,能够影响创作思维的演变。 凹印作为一种制版技术众多、复杂的版画类型,有着其独特的魅力。 在《备忘录》系列中,唐曼文用飞扬的尘埃和线条腐蚀的结合,以童趣的视角描绘了他脑海中诗意的微观世界。 ,通过画面中每一个相对细小的元素,传达出版画艺术家创作时特有的稳定情绪。 姚古平的作品很有时代感。 《秋叶旧纸》将时间的记忆封存在画中。 《秋叶》和《旧纸》似乎有着相应的联系。 艺术家对与时间相关的社会问题有着深刻的理解。 发人深省。 虚拟场景的塑造来源于艺术家对碎片记忆的记录和再现。 方炯明的《日常形式》试图将自己艺术表达的切入点转化为其他空间中的日常物品,表达自己对现实的理解。 隐秘的思考。 石版画有直接绘画的意义,但它的制作绝不像直接绘画那么直接。 赵书宏的《大象》系列以飞机、坦克、战舰等写实形象为主。 作者研究了平版印刷技术,以在图片中创建清晰的图像。 它生动地表达了通过符号的方式解构这些现实形象以强化其内在秩序的方式。 李芳的“风景”系列作品结合了固定的元素。 鹤、洞庭石、湖水、矩形边界,营造出不同于真实空间的虚拟维度。 湖水的起伏秩序,营造出极具能量的场域空间。 张慧使用Photoshop打印技术创作人物,几乎都是女性。 张辉善于通过眼睛描绘不同的人物。 《望光》以复数的形式呈现了肉眼可见的精神震撼。

版画的开始往往源于艺术家学生时期进入艺术学校时的专业选择。 在学习的过程中,对版画的熟悉和理解是在师傅带徒弟的作坊式的方式中建立起来的。 师傅提供技术支持。 当学徒开始的时候,就是艺术家在寻找“触感”来完善自己。 作品《气味》的重要时期。 在此之前,所有的版画艺术家都花费了​​大量的时间在“观察”和“绘画”上。 艺术家的“观察”和“绘画”是他们生活中密不可分的行为,行为源于他们对世界的迷恋。 他们试图以更细致的方式、更独特的视角来看待世界,同时用绘画的语言来表达对世界的理解。 绘画艺术遵循文本与图像相互服从的规律,文本的内容可以被图像征服,图像的意义可以被文本揭示。 在宋能轩的近期作品《进入》中,艺术家采用综合绘画的方法,将真实的风景图像与记忆图像并置,实现了引人入胜的“进入”场景创作。 何洁的观察对象也以风景为主。 在《花开的树枝》中,艺术家利用自然景观在不同时间状态下的色彩变化来塑造感官中的自然物体。 在《风景》中则是对这种视觉体验的进一步选择。 张羽在整个绘画文本中都采用了第一人称视角。 画面中出现的手掌,隐喻着人类接触世界、认识世界、获取温度和触觉的高级认知方式。 这种方法是“初接触”童心无杂念。

值得关注的是,作为年轻艺术家,宏大主题的表达很少出现在他们的创作中,生活中的情感记忆以微妙的痕迹隐藏在他们的作品中。 李瑛的画以轻松的状态描绘事物。 《诗人九首》和《白菊十三朵》似乎都是艺术家脑海中低频闪现的画面。 这些画似乎记录了她自己的成长过程。 李影对此有着执着的执着。 张伟擅长用定格记录的方式在作品中保留真实的情感。 这种情感溢出到他创造的空间和人物中。 他作品中孤独的人物似乎反映了年轻艺术家的成长过程。 张伟的版画《塔拉斯坎之路上的艺术家和画家(梵高之后)》与梵高1888年创作的《塔拉斯坎之路上的画家》相对应,同样表达了孤独的感觉。 秉承对艺术的尊重,时间的间隙感让张伟对于画面中梵高笔下的动态参照有着不一样的“触感”。 沉千石在绘画中喜欢用黑色来表现时间的流逝和交替。 他喜欢在夜间旅行,看各种灯光与黑色的相互作用,比如夜晚公园里明亮的月光,或者城市多彩的夜景。 沉千石的作品《海景》和《不见月波非波》都描绘了山间的自然景象。 他们用不同的“媒介”来控制画面中的黑色来描绘自己不同时期的心情。 。 在“充实、复杂、低成本的日常”系列中,杨一军将绘画放置在一些日常的“媒介”中,以近乎直接的方式记录了自己的生活片段。 作品中轻松的感觉让人亲近。 ,无负担。 可见,艺术家长期生活的环境等因素会影响他们的创作轨迹。 银子的创作重点一直是城市建筑。 作品《寂静的节奏》以简洁的表现方式记录了繁华都市的静谧角落,在热闹的城市节奏中寻求与城市的安静融合,为人们的生活空间和城市建筑的独特痕迹提供了线索。艺术家的创作。 胡钦娣以多种综合技法为媒介进行日常创作。 “fernweh”系列是一组综合性的蓝晒版画,以物体影像的形式呈现艺术家日常捕捉到的有趣事物。 从小在西湖边长大的胡钦娣,与西湖相关的元素经常出现在画面中。 黑蚂蚁和灰色环境一直是张令锐研究生期间持续创作的对象。 在《蚂蚁的生命》和《共生》中,张凌锐讲述了人造空间中繁忙而有序的生命群体运动的痕迹,反映了艺术家的现状。 活跃状态。

通过寻找艺术家的创作“痕迹”来解读艺术家,这种解读方式的方向是自由的、无界限的。 从“千里之外”展览所呈现的当前青年艺术家生态的缩影中,我们可以观察到他们的直觉思维以及各种创作的相互联系。 将这些一一列出,不仅仅为观众提供一个视角。 。 青年版画艺术家借助版画的思维,借助材料、经验、思维的痕迹,构建艺术创作中的结构维度,意图通过这种叠加的方式来规范、规划、落实自己独特的视觉语言。 在这个过程中,年轻的版画艺术家不断尝试打破现有视觉语言的界限,是否暗示着自己创作的困境? 或许这样的疑问正是当代年轻艺术家不墨守成规,寻求变化,不断从文化、地域、个人成长中汲取经验,让创作更加丰富的原因。

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